TEXTO ARTHUR DANTO: "El final del Arte", 1995

"No hay ninguna razón para cambiar los verdaderos principios en que el hombre funda su comprensión del mundo y de sí mismo. Todo lo demás, sin embargo, puede preservarse indefinidamente: el arte, el amor, el juego, etc. En resumen, todo lo que hace que el hombre sea feliz." filosofía de Hegel.

"El arte siempre tendrá un papel que desempeñar si los artistas lo desean" Karl Marx.

En el ensayo de Danto se dice que "no existe ninguna razón de peso que nos lleve a pensar que la ciencia o el arte tengan que ser eternos", pero desde un principio se aboga por un sentimiento negativo o, más bien, la impresión de que se va a llegar a la conclusión del fin del arte al leer el texto con la exposición de una serie de argumentos que apoyen esta premisa, ya que comienza sentenciando: "El arte ha muerto. Sus movimientos actuales no reflejan la menor vitalidad". ¿Es esto cierto? Es verdad que vivimos en una sociedad que está constantemente en progreso, tanto la ciencia como las demás disciplinas viven un constante adelanto que nos lleva a pensar a dónde nos va a llevar. Es una realidad que no solamente se progresa en lo bueno, si no que en ocasiones no se da un buen uso de los adelantos que existen...

Ahora, el arte, afortunadamente, no es visto como en la Antigüedad. No es un cajón en el que sólo caben la pintura, la escultura, el dibujo y algunas otras artes aplicadas que iban de la mano según los periodos. Ahora el arte es algo tan amplio que no se puede encasillar, y esto es lo que obliga a que esté continuamente sobre la mesa y debatiéndose sin llegar a conclusión alguna ("ha resultado difícil obtener una definición general del arte verdaderamente interesante"), en el contexto del arte contemporáneo, que es el que nos ocupa.

Toda obra de arte consta de una parte física y material y de otra inmaterial o también llamada espiritual. A esta parte conceptual es a la que se refiere Hegel cuando dice que "el arte ha llegado a su fin, transformándose en filosofía". Parece como si el propio objeto material quedara en un segundo plano porque lo que interesa es esa parte mental, pues la obra genera pensamiento. En ocasiones nos encontramos con obras que no poseen tanta importancia como la idea en si, el proceso creativo cobra protagonismo así como las inspiraciones y simetrías que el artista encuentra en otras disciplinas como el cine, el teatro, la literatura... "En realidad, todo ello responde en parte a que las fronteras entre la pintura y el resto de las artes-la poesía y la interpretación, la música y la danza-se han hecho radicalmente inestables"; "los objetos tienden a desaparecer mientras su teoría tiende al infinito. Lo único que hay es teoría: el arte se ha volatilizado en un resplandor de mera auto-reflexión". 

La filosofía hegleriana con respecto al arte, a la que constantemente remite Danto,  parte de un concepto de belleza en el que el arte y sus obras son espirituales y manifiestan el pensamiento. 

Pero, ¿ya no hay posibilidad de que el arte continúe sorprendiéndonos? Esta idea me parece imposible, ya que TODO NO SE CONOCE. Hay muchas formas de arte que están empezando a emerger ahora, numerosos artistas jóvenes luchan por expresar e inventar nuevas formas de arte utilizando toda su inventiva y su originalidad mostrando su fuerza...Y esto es tan respetable que casi me parece faltar el respeto si hablamos del fin del arte, como si no atendiéramos a lo nuevo que está surgiendo, fruto de mucho trabajo... Aun así, como diría  Oswald Spengler en El hombre y la técnica: "cada civilización atravesaba su propio ciclo de juventud, madurez, vejez y muerte. Si aceptamos estas premisas, el futuro de nuestro arte resulta muy sombrío, pero pronto comenzará un nuevo ciclo con sus propias cumbres, un ciclo que no podemos imaginar". Las nuevas tecnologías muestran nuevos modos de expresión, y los artistas están sacando partido de eso para hacer su obra más completa, entrando en juego una formación multidisciplinar que es fuente de enriquecimiento...
El arte no es mera expresión de sentimientos, como diría Benedetto Croce, "arte es intuición, visión, contemplación, imaginación, fantasía, figuración, representación..." Pero no importa saber que el arte ha cambiado un poco su realidad y ahora se considera casi como un juego o como simple pensamiento "ya sea para embellecer nuestro entorno, para imprimir vitalidad en la superficie de nuestras condiciones de vida o para decorar insistentemente otros motivos".
El arte no puede morir...El arte no va a morir mientras haya personas que crean en él y vayan más allá de intentar englobarlo en alguna frase que siempre quedará incompleta. Hay muchísimas instituciones con funciones didácticas que siguen cumpliendo su función y muchos artistas emergentes que intentan expresar para cumplir su sueño de dar a conocer su trabajo a los demás. Esta es una manera sutil e incluso bella (sin ánimo de hablar de estética) de darse a los demás compartiendo lo más preciado que tenemos sin necesidad de limitarlo con fechas, etapas o edades...

 "el arte es la forma en que nuestras creencias se revelan en la conciencia, es una manera de manifestar las motivaciones más hondas del hombre y las verdades del espíritu".  Hegel

Bibliografía consultada:
- "Hegel-vida, pensamiento y obra", colección Grandes Pensadores, ed. Planeta DeAgostini S.A. España 2007.
- "La imagen y el ojo. Nuevos estudios sobre la psicología de la representación pictórica", Gombrich, Ernst. Madrid, ed. Alianza., 1987.
- "¿Qué es el Arte?" del "Breviario de Estética", Benedetto Croce, colección Austral (versión pdf)
- http://www.temakel.com/secctextosdefilosofias.htm
-http://www.laeditorialvirtual.com.ar/Pages/Spengler_Oswald/LaDecadenciaDeOccidente_Vol00_00_Indice.  htm

ARTE Y EDUCACIÓN. ALGUNAS REFLEXIONES EN TORNO AL CONCEPTO DE ARTE Y LA MANIFESTACIÓN ESTÉTICA

A.      ¿Existe goce estético en imágenes sobre el atentado 11 S N.York?

Esta, entre otras imágenes, corresponde a un episodio triste que afectó directamente a millones de personas y repercutió en el resto del mundo. Es difícil alejar la tragedia y mirar con ojos objetivos las fotografías en sí, pero si así lo hacemos, es una realidad que son imágenes que desprenden una gran belleza, así que SÍ puedo decir que existe goce estético en las mismas. En esos pocos minutos en que tantas personas perdieron tanto, hubo un despliegue de recursos, entre los que intentaban salvar lo más posible y los que, pese al dolor, ejercían su profesión sabiendo que estaban haciendo historia en ese instante.

Cualquier fotografía tomada posee esa parte de belleza sublime que dan las texturas, el movimiento,  los encuadres, forzados por los escorzos, el instante…e incluso ese halo de confusión y miedo reinante. Fuera de contexto podemos ver todo esto pero es cierto que da un poco de reparo clasificarlas teniendo en cuenta los términos de “manifestación estética” y “Arte”, ya que cuesta alejarlas del dolor que tras ellas hay aún…





B.      ¿Debemos impedir este tipo de acciones? (Demolición de las estatuas gigantes de Budas milenarios en Bamiyan por el régimen Talibán, 2001)

Una de las mayores catástrofes que pueden realizarse en el campo artístico es la destrucción de obras por la mano del hombre teniendo como fondo la ignorancia de muchos pueblos por el patrimonio que poseen y lo más triste por así decir es que esta destrucción es intencionada, premeditada . La problemática de todos los conflictos bélicos es que han acabado con gran cantidad de obras de Arte como resultado de la demolición de las mismas (como en el caso de los Budas de Bamiyan) o los saqueos en periodos de caos que sufren los museos (por encontrarse allí el patrimonio del pueblo y que evidentemente posee valor) así como demás edificios y bibliotecas que cuentan con un numeroso complejo bibliográfico y documental que conforma el mismo y por lo tanto, la IDENTIDAD de un pueblo. En este caso concreto, estas figuras (las más grandes del mundo con sus 55 y 36,5 metros de altura) fueron destruidas por los talibanes para "evitar la adoración de ídolos falsos". Aparte de ellas, también cayeron miles de figuras arqueológicas consideradas igualmente como ídolos.

Así pues, nuestro deber es informar y cultivar el respeto por el arte, ya estén estas manifestaciones cercanas como lejanas en países próximos a Oriente y cuyos regímenes funcionan con otras prioridades. Son lugares riquísimos en el terreno artístico y por sus acciones guerreras como manera de dirigir el estado obtenemos como consecuencias la destrucción de estas bellezas artísticas, que han sobrevivido a través de los siglos.

C.      ¿En qué grado está relacionado el arte con la belleza?

Ante esta cuestión diré ¿por qué se tiende a relacionar el arte con la belleza? Aunando términos, pienso que “arte” no es sinónimo de “manifestación estética”. Como ya he expuesto anteriormente, pienso que una obra artística es un proceso de creación en que el autor muestra su interior más íntimo, lejos de un mundo de apariencias. Muestra su “origen”. Así que sí podría afirmar que el arte está íntimamente relacionado con la originalidad, puesto que es una condición indispensable. Pero cualquier relación con la belleza está a expensas del público al que está dirigido y la crítica que pueda suscitar en el mismo. La postura correcta ante el arte es dejar las puertas abiertas al enriquecimiento porque TODO nos puede conducir a él, y por esto, es una postura incorrecta intentar buscar primeramente una relación de belleza o parte estética en la obra de arte porque puede que no la encontremos simplemente porque eso no es lo que se pretende…Este punto de vista, estaría más ligado a conceptos de Arte más próximos a otras etapas de la Historia del mismo.

D.      ¿Podemos considerar esto objeto artístico? ¿Y objeto estético?

Podría considerarse como ambas cosas. Estamos ante una fotografía anónima que es de gran belleza. Estéticamente, tiene cualidades para considerarse un objeto estético y su autor podría haberle sacado partido si la hubiera presentado al mundo como un objeto artístico. Al ser anónima, puede que haya sido una fotografía tomada al azar y sin ningún motivo de “hacer arte”, pero lo cierto es que es aunque no sé si han sido manipulados los colores para hacerlos más vivos o no, el resultado de este paisaje es armonioso y llamativo.

fotografía del "Cerro de los Siete Colores,

Purmamarca, Argentina. Anónimo

          E.      ¿Debemos plantear límites éticos en la creación artística?

No sabría qué decir…Por un lado, plantear límites éticos me parece limitar al artista…Éste no podría expresarse como desea si tuviera unas condiciones para realizar su arte. Esto me parece incoherente. Vemos que arte es expresar y éste es vehículo para mostrar modos de vida, realidad…Pero también para provocar. Es una consecuencia del mismo… Cuando éste es el fin de alguna obra, evidentemente, el público se expone a que el resultado del proceso artístico pueda dar paso a un gran revuelo. Pero es algo que forma parte del Arte. Tras una imagen desagradable que nos pueda proporcionar una determinada obra hay siempre un fondo totalmente respetable por parte del artista y como tal, siempre habrá críticas afortunadamente, pero en ello está la expresión humana de su propia realidad o condena de ciertos hechos.

"Body Worlds"



        F. ¿Hasta qué punto es necesaria la técnica para realizar arte? (“Burgueses de Calais” 1886-1888 Auguste Rodin; “Arte Carnal”, “Body Art” Orlan)

Para poder contestar a esta pregunta vi un vídeo referente a esta artista francesa que pone la cirugía al servicio del Arte. Orlan es una de las más conocidas autoras del llamado “Arte Carnal” y es algo tan diferente que es difícil de digerir… Una obra artística no es algo sencillo y esta autora pretende con operaciones estéticas realizadas en directo plantear a la sociedad miles de preguntas en torno al dolor, el cual afirma que no existe, todo ello fuera de cualquier límite psicológico y físico.

Para realizar “arte” no es tan necesaria la técnica, aunque siempre hay que tener un planteamiento que conlleve llevar a cabo proceso creativo. En numerosas ocasiones, pienso que el propio proceso para realizar una obra artística es mucho más importante que éste en sí, como por ejemplo el siguiente que tenemos para ejemplificar esta pregunta: “Los burgueses de calais” de Rodin. Este autor, en su última época, gustaba dejar sus esculturas inacabadas. El proceso creativo para realizar sus retratos importaba más que la técnica.

Orlan, artista del llamado "Arte Carnal"



         G. ¿Hasta qué punto es necesaria la formación para ser artista?

Soy de la opinión de que un artista tanto nace como se hace. La formación es muy importante pero no por el simple hecho de recibir educación académica, ampliar nuestro curriculum a base de masters… En la educación artística es importante la formación porque nos abre la mente. Hay que dejar abierta la mente al conocimiento, desarrollar nuestra creatividad, CONOCER para poder expresar y así plasmarlo en nuestro trabajo, que será la expresión de todo lo vivido… Pero hay personas que nacen con un DON y quizá sólo necesitan un empujón y MOTIVACIÓN para su desarrollo. Y este es el caso de Judith Scott (sordomuda y abandonada por su familia) ¿Quién le dio una madeja de hilo por primera vez? Ese fue su comienzo en el mundo del arte contemporáneo del que ella misma puede que no tenga conciencia, pero lo cierto es que nunca se deja de aprender cuando hablamos de educación artística, ya que constantemente estamos recibiendo, nos estamos educando, como formación propiamente dicha en cualquier aula o fuera de los muros, en los pequeñas cosas de cada día…

fragmento de una escultura de Judith Scott



         H.  ¿La originalidad es condición de la obra de arte?

La originalidad es algo intrínseco de la obra de Arte, que ésta va adquiriendo y formándose desde la primera idea que el artista tiene de ella…Entiendo por originalidad dos cosas. La primera y la que antes llega a nuestra cabeza es que la originalidad es crear algo diferente, nuevo, no visto hasta el momento. Pero el concepto de originalidad significa también “aquello que surge de un origen”, su raíz, porque la originalidad no está solo en el proceso creativo de hacer una obra o un objeto más atractivo, más cómodo o atrayente para el espectador, que tiene una finalidad… sino que forma parte de un MUNDO DE VALORES INTANGIBLES… ¿Sabemos cuál es el origen de la obra de un artista? ¿Todo lo que a él le lleva a crear una obra y su trasfondo más íntimo? Pienso que originalidad y coherencia son condiciones sine qua non que deben darse en una producción artística. Todo ello para que el mensaje de la misma llegue a nosotros con la mayor pureza y transparencia posible.

Psycho, de Van Sant



           I.¿Existe una esencia en la obra artística o todo en ella es abierto y relativo?

Las obras, a lo largo de las diferentes etapas de la historia del arte, han llevado consigo diferentes lecturas. En el recorrido de estas etapas, vemos que en ellas primaba unas veces la claridad del mensaje, otras el valor científico, el impacto emocional en el espectador… Y al paso de los años, han surgido autores que reinventan las obras dándole otro enfoque, utilizando las de anteriores épocas (como el caso de la “Gioconda”) Por ello, el arte, como hemos dicho en clase en multitud de ocasiones, es algo abierto y que está continuamente debatiéndose y las obras, a pesar de que cada una lleva intrínsecamente la huella que el autor ha dejado en ella, pues le pertenece, está abierta a interpretaciones.

La "Gioconda" de Da Vinci

"LHOOQ" de Marcel Duchamp

DEFINICIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA. MODELOS DE PENSAMIENTO Y PARADIGMAS. TEXTO Juan Carlos Arañó – Estructura del Conocimiento Artístico.

A partir de este texto trabajado en clase, vamos a ir enumerando las IDEAS SOBRE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA que aparecen en el mismo referente al punto 6: “La educación artística y su planificación”.

• En primer lugar se ve que la definición de arte es algo muy amplio y sujeto continuamente a debate. “En el sentido educativo, el arte es una actividad humana consciente, en el que la persona se manifiesta plenamente (intervenir, observar…)” utilizando todo tipo de cosas con el fin de expresar sentimientos.

• “La Educación Artística supone un acto cultural de aproximación a la propia cultura” siendo ésta un vehículo para adquirir conceptos. “Comprender la cultura de un pueblo supone captar su carácter normal sin reducir sus particularidades.” Es importante también la idea que expuso Ortega y Gasset en 1955 de que “cuando se quiere entender a las personas, y/o algo de su vida, debemos averiguar cuáles son sus ideas y cuáles son sus creencias.”

• “Planificar y gestionar la Educación Artística significa establecer las conexiones y diferencias con las otras disciplinas en el contexto de la educación general y adecuarse a sus propósitos desde una perspectiva cultural amplia, que supone tomar conciencia del tipo de experiencias que en cada nivel educativo debe producirse”

• Objetivo final: “que el estudiante adquiera una cultura artística.” Un contenido estructurado de los contenidos y conceptos propios de la disciplina.

• Importante señalar en nuestra época los “grandes, profundos e intensos cambios producidos en el ámbito del pensamiento y la cultura que producen, como efectos más inmediatos, rápidas evoluciones culturales.”

• Ahora, la Educación Artística, “debe ir dirigida a que las personas sean capaces de afrontar con mayores posibilidades y garantías las evoluciones, partiendo de una idea de arte amplia y general.”

• Finalmente, diremos que “necesitamos una Educación Artística que entienda el arte como parte del conocimiento humano, que posea una estructura propia inscrita en una más amplia del conocimiento general.”

• “Para que dicha educación sea significativa, deberemos proceder a su planificación a partir del interés y conocimiento de los estudiantes.”

ACERCAMIENTO A LA EDUCACIÓN

- Concepto de Educación : Educar es construir...Imprimir una serie de valores a una persona o a un colectivo. ¿Valores como cuáles? responsabilidad, sencillez, sinceridad, respeto, empatía, crítica, creatividad, amor por lo que hacen...

- Concepto de docente : Aquella persona que posee una serie de conocimientos que, impartidos, aportan dichos valores, así como crecimiento personal y académico.

¿CÓMO VAMOS A IMPARTIR NUESTROS CONOCIMIENTOS?

RETROSPECTIVA DE MI PROPIA EXPERIENCIA

Echando la vista atrás, veo que yo he recibido una educación tradicional en la que las clases eran impartidas por un instructor y sólo en algunas asignaturas (y éstas porque lo requerían a la fuerza al ser más prácticas, como los idiomas) el alumno participaba activamente en el aula. Notaba que algunas asignaturas, desde el colegio al instituto, eran consideradas unas "marías", que eran fáciles de aprobar y que no se necesitaba mucho esfuerzo. Éste era el caso de la educación plástica y visual, la religión y la música. He crecido con esta premisa pero también es cierto que los jóvenes han cambiado mucho en muy poco tiempo y con ello su escala de valores. Cuesta muchísimo ahora que siquiera una clase entera pase "limpia" al siguiente curso y muchos dejan los estudios aunque ello conlleve empezar con algún trabajo más duro y digan adiós a la enseñanza básica. De ahí que SÍ, sé que voy a encontrarme en las aulas falta de respeto, violencia...factores que no son negativos pero que sí afectan y están actualmente. No es tan fácil trabajar con adolescentes, que están en pleno apogeo de sentimientos y cambio en sus propias vidas y en sus propios cuerpos, pero lo importante es ver qué quiero sacar de ellos... Yo elegiría un modelo más activo. Intentaría MOTIVARLOS, con práctica y adaptando siempre los conocimientos a las edades que tengan. A veces, ese es un fallo, encontramos temarios muy blandos y aburridos (por así decirlo) cuando estás ante chic@s de quince años, por ejemplo. No hay que hacer siempre lo mismo y no usar un mismo modelo para todos.

Comprendo que esto puede ser una utopía, pero empezando desde lo poco, desde lo pequeño...¿por qué no? Es complicado pero hay que intentarlo. Para ello, el educador debe crear un clima de cercanía que dé cierta confianza al alumno para que éste se abra y participe, se valore y crezca, sacando su creatividad, lo mejor de sí mismo. Lo considero fundamental, sin perder el respeto. 

El fin de todo es que cada uno saque algo de cada clase, con eso basta. Porque poco a poco, creerán en ellos mismos y lo que es mejor, lograrán sentir AMOR POR LO QUE HACEN. Yo creo en eso. 

Marín, R. y otros (2003): DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA, Madrid. Pearson/Prentice Hall

En este texto, Ricardo Marín hace un breve repaso por la historia de la Educación Artística desde la Antigüedad hasta nuestros dias. La idea fundamental que logro sacar del mismo es la necesidad de "comprender los cambios y situaciones que se han producido a lo largo de nuestra Historia del arte, de la educación y de la sociedad" tanto en ideas como métodos para ver la evolución de nuestro sistema educativo hasta configurarse la educación en las aulas que tenemos hoy.

El autor se centra en el dibujo en los diferentes periodos artísticos. Éste era considerado materia escolar en la Antigüedad y de ahí surgieron las primeras reflexiones entorno a la educación artística en la escuela de la mano de Platón y Aristóteles. El dibujo tenía dos funciones en la enseñanza del mismo: "utilidad y belleza", es decir, que era utilizado para describir lo que nos rodeaba, su función era meramente descriptiva.

Pasando por la Edad Media, periodo en el que el aprendizaje estaba claramente centrado en los materiales y las técnicas (consideradas las artes como "oficios manuales"), llegamos a un periodo que abarca desde el Renacimiento hasta el Romanticismo en el que se crean las Academias de dibujo, inicio de los centros educativos. El dibujo era el fundamento de todas las bellas artes.

Ya en el s.XIX, el dibujo era obligatorio tanto en la educación primaria como en la secundaria y es importante señalar "la necesidad de disponer de unas orientaciones para formar al profesorado en esta materia".

De la mano de Johann Heinrich y de Friedrich Froebel surgen los primeros manuales y cartillas escolares de dibujo, ya que en la primera mitad del s.XIX, se descubre el "arte infantil". La infancia cobra una nueva mirada considerándose todo lo anterior como una "cantera agotada". El Arte empieza a ser un medio de la comprensión del mundo y los garabatos, desproporciones y espontaneidad infantiles son "manifestaciones genuinas y propias" que tienen los niños de comprender el mismo, ya que se aboga a un arte no contaminado. El fin de todo esto, (ampliado de la mano del crítico Herbert Read y de Viktor Lowenfeld) era formar a los alumnos para ser mejores personas a través del arte "potenciando su sensibilidad, capacidades creativas, expresivas y comunicativas, seguridad en sí mismos, equilibrio y pleno desarrollo en su forma personal"...Mas la novedad radica en que la importancia está, no en los contenidos de la enseñanza, si no en la persona que se está formando. Para ello, había una propuesta clara de apostar por una educación abierta y constructiva en la que se defiende la "propia capacidad creativa como objeto central del aprendizaje" desarrollando la personalidad del alumno y síendo éste quien sea capaz de descubrir las respuestas a sus propias cuestiones.
En la actualidad, el arte está plagado de nuevas propuestas de expresión, debido al desarrollo de los medios de comunicación y lo que ellos suponen en nuestras vidas, aportándonos nuevas formas en la expresión artística (performances, imágenes fijas y en movimiento, fotografía...) Todo ello contribuye al enriquecimiento de nuestra cultura visual y en el territorio educativo, ya que como argumentaba Rudolf Arnheim: "ver es pensar" y las artes visuales constituyen un lenguaje, no menos importante. El dibujo o la pintura, que tantas visiones distintas ha atravesado a lo largo de su Historia, no es sólo expresar emociones o sentimientos. Va más allá de lo meramente formal,ya que son una forma de pensamiento.
                      

          TABLA  QUE REUNE LOS CONTENIDOS DEL TEXTO           



PREGUNTAS PARA EL DIÁLOGO:

 1.- ¿Qué grado de afinidad mantienes con los distintos puntos de vista desarrollados a lo largo de la Historia de la Ed. Artística?
En este repaso por los distintos periodos de la Educación Artística, yo diría que me siento más conforme con el giro que dio a partir del s.XIX, después del Romanticismo (respetando la división por periodos que se plantea en el texto) El dibujo dejó de ser una enseñanza solo para formar a artistas y artesanos y pasó a estar al alcance de la población. Me parece muy interesante la apuesta por volver la mirada al arte infantil y confiar en un arte espontáneo e ingenuo que buscaba la comprensión del mundo y del Arte mediante garabatos y desproporciones. Esto, sin duda, era algo rompedor, teniendo como antecedentes el arte basado en la belleza y en la descripción del entorno de la Antigüedad, lo cual me parece bastante limitado (aunque en cada época, las características de las evoluciones en lo artístico suponía un adelanto que ha forjado los esquemas de nuestro Arte actual) Así, veo que la mejor apuesta es la que aparece en la segunda mitad del s.XX, la que tenemos en la actualidad, ya que habla directamente de aplicar el Arte a formar mejores personas, y se invita al alumno a reflexionar y a encontrar sus propias respuestas.

2.- Realiza una crítica constructiva del texto trabajado: plantea pros y contras de las distintas etapas.
Empezando por la Antigüedad, encontramos el surgimiento de las primeras reflexiones en cuanto al Arte y el dibujo, consideradas "útiles para la vida", pero aqui se asienta la base de "observar la belleza en los cuerpos", que se mantendrá en otras etapas y es algo que aún hoy día es difícil desprenderse: de una mirada tendente a lo formal.
En la Edad Media, el arte no existía como tal y estaba ligado a un taller, claramente dividido en el que cada uno sabía qué hacer, muy estructurado y que se dedicaba al conocimiento de materiales y de nuevas técnicas desde edades muy tempranas, pero por otro lado, es cierto que se centraron en la proliferación de objetos devocionarios.
Del Renacimiento al Romanticismo. En el Renacimiento surgieron los primeros centros educativos, que fueron las primeras Academias, en las que se consideraba el dibujo como "el fundamento de todas las bellas artes", mas esta enseñanza, a lo largo de estos periodos, era a base de copias y en ningún momento perseguía desarrollar la creatividad del alumno.
En el s.XIX, y gracias a la industrialización, el dibujo estaba al alcance de cualquier ciudadano. Se consideraba necesario para la realización de trabajos de índole industrial. De igual manera, se divide en dos vertientes: la artística y la técnica (ya existe esta clara división) pero por contra, diré que la parte artística sigue persiguiendo la búsqueda de la belleza y la copia de objetos de la Antigüedad.
La primera mitad del s.XX está caracterizada por la utilización del Arte como algo que va más allá del aspecto formal: como medio de la comprensión del mundo, mediante el arte infantil, espontáneo, libre, así como una mayor apertura del hombre a conocer otras culturas que plasmar en su arte. Los distintos enfoques que existen en estos años contribuyen a una mayor riqueza en la educación en el plano artístico. Sin embargo, esto debió suponer una revolución y bastante rechazo por una sociedad en proceso de cambio y aún ligada a unos esquemas anteriores que recelaban lo contemporáneo.
Por último, en la segunda mitad del s.XX, se pretende potenciar las cualidades artísticas y el crecimiento del alumno que conllevara a plantearse sus propias cuestiones por sí mismo, es decir, se apuesta por el individualismo. Para ello, empiezan por cambiar el impartimiento de la enseñanza artística a base de copias antiguas. También surgen proyectos educativos que reunen escalas de evaluación, formación para el profesorado...pero con el auge de los medios de comunicación y la persuasión de la publicidad, tienen mayor peso otros mensajes, que influyen en el alumno...

3.- Después de lo leído, ¿cuáles serían tus argumentos para definir la educación artística de cara al presente?
Considero como mejor solución enfocar la enseñanza artística hacia esa espontaneidad y libertad de una educación más abierta, ya que estoy de acuerdo en que el Arte es una disciplina que lleva al conocimiento del mundo y esto da mucho juego en cómo plasmarlo en el alumnado. A éste se le debe inculcar una moral autónoma para que, a la larga, reciba una mejor formación académica y personal. Pienso que con esto, como dijimos en clase, FORMAMOS PERSONAS, EDUCAMOS, con el fin de establecer una relación entre lo que se enseña por parte del educador y lo que el propio educando logra sacar por sí mismo. 

ARTE Y EDUCACIÓN

He visto fuera de clase esta película, que está a medio camino entre la ficción y el documental y narra la vida cotidiana de una clase de instituto francesa. He podido compartir con mis compañeros sólo una clase dedicada a exponer sus preguntas realizadas en parejas en relación a la dimensión formal del film, así como nuestras perspectivas sobre la educación hoy día.

Aquí van mis dos reflexiones en cuanto a la dimensión formal y conceptual del elemento visual examinado en clase:

DIMENSIÓN FORMAL:

La película de Cantet, Entre les murs, pretende captar la realidad de un aula en una escuela de París. Rodada a modo de documental, con cámara al hombro, quiere dar más verosimilitud al guión que siguen estos jóvenes actores no profesionales. Se han utilizado cámaras caseras, un formato apaisado, ausencia de música, apariencia de caos, tensión y agobio, ya que se escucha los sonidos/ruido típico de una clase...

Evidentemente, los actores siguen un guión, pero en cierto modo, hay algo azaroso...Los actores interpretan el papel de ellos mismos y eso les permite salirse del esquema que tienen marcado, improvisar, y así hacer más real este "drama social" que están interpretando.

Por otro lado, se aprecia en el aula una multiculturalidad que es fuente de enriquecimiento pero a la vez de un gran conflicto entre profesorado y alumnos, forzando más las relaciones entre ellos y dándose la vuelta constantemente las situaciones.

Todo ocurre en tres escenas diferentes: la clase, el pasillo y patio del instituto y las salas de profesores. Esto hace que el propio espectador se sienta, a veces, limitado, encontrándose siempre en ese espacio tan cerrado, que da mayor fuerza al título que lo enmarca de encontrarse entre muros y con mayor razón si dentro de ellos se dan curcunstancias que te mantienen en continua tensión.

Analizándolo un poco más, veo que la escuela está en buenas condiciones de infraestructura. Tiene buenos espacios para debate y directivos, adelantos tecnológicos a disposición del alumnado...Me llama la atención al ser esta cuestión una justificación en algunos centros en uno y otro país de la calidad de la enseñanza impartida.

DIMENSIÓN CONCEPTUAL:

La sensación que me da es que en el documental se pretende dar una imagen cercana del profesorado, al menos en la figura del profesor Marin. El ambiente de la clase es complicado, como en gran parte de las aulas de cualquier centro educativo en la actualidad. Presenta a jóvenes que no hacen fácil impartir una enseñanza, ni siquiera intentando hacer las clases más dinámicas, dando voz a los alumnos, planteando debates con cualquier pretexto dentro de un temario a seguir...No es fácil prestar atención. Es complicado hacerlo varias horas seguidas a la vez que son escasas para que se conozcan entre ellos, establezcan lazos de unión que hagan cuestionarse valores que vayan desde el aprendizaje hasta la amistad y el respeto. 

La multiculturalidad es una riqueza (como he dicho anteriormente) pero como en este ejemplo, también fuente de conflicto, no hay igualdad de raza y en ocasiones puede desembocar en racismo. Pienso que influye muchísimo el tipo de alumnos que existe, con unas necesidades concretas bien diferentes a otros en carencias...Hoy día ocurre algo muy parecido y sí podría decir que esta es la tónica general en las aulas de secundaria y primaria, más recientemente. Es un dilema para el profesorado idear nuevos sistemas de aprendizaje que resulten atractivos y aun con esto no es suficiente. La actitud del profesor, aunque creativa y tolerante, se ha convertido en un desafío y los alumnos parecen detectar con inteligencia las debilidades de los que enseñan y utilizarlos a veces en su contra generando malinterpretaciones. Los conflictos del aula son un espejo de la vida de sus alumnos fuera de ésta con todo el impacto emocional que conlleva. 

Ofrece una enseñanza como un laberinto, no aparece un final. Todo tiene cabida: el sentimiento de frustración, la incomprensión a la vez que la sorpresa...

Trailer "Entre los muros", Laurent Cantet

He encontrado una relación entre esta película y otra realizada por la escuela francesa de los años 40: "Los 400 golpes", de François Truffaut. Muestra una institución extraordinariamente rígida, con jerarquías inflexibles, gélidos métodos de enseñanza y castigos severos, cuyos niveles de autoritarismo en las aulas entra en contraposición con los alumnos de "Entre los muros".

                             





EL LENGUAJE DEL ARTE -- ALGUNAS DEFINICIONES

¿QUÉ ES "ARTE"?

 Diré que Arte es todo aquel acto o manifestación que se vale de una serie de materiales (ya sea materia, imagen o sonido) cuyo fin es EXPRESAR y que es realizado por una o un grupo de personas que denominamos artistas.

Supongo que todos estaremos de acuerdo en que el Arte es algo muy amplio. Con este término denominamos muchas cosas. Es algo complicado y que a la vez se complica, se nos escapa...porque es bueno no buscar una sola definición de Arte, si no dejar las puertas abiertas al enriquecimiento. TODO nos va a conducir al Arte porque éste es un sistema de conocimiento, mediante el cual se llega al conocimiento del mundo. 

Diferentes términos relacionados con el Arte, y que son Arte, acuden a mi mente. Términos que han sido utilizados en momentos o épocas concretas. Hablamos de Bellas Artes, Arte y diseño, Artes y oficios, Artes menores, artesanía incluso...Estos términos pertenecen a la memoria artística y nos aportan múltiples miradas del Arte, así, con mayúsculas, al ver las distintas visiones que se han hecho de éste en muchos momentos de nuestra Historia. 

Estas palabras no expresan la realidad contemporánea de nuestro tiempo, pero es cierto que el artista, (del que nos vamos a ocupar a continuación) sigue CREANDO para disfrute nuestro y enriquecimiento de nuestra CULTURA, a pesar de que es imposible hablar de Arte sin mirar atrás, a nuestro pasado artístico, al legado que otros se han encargado de conservar para que llegue hasta nosotros. Porque...

¿Podemos decir que Arte es todo aquello que "la gente" suele llamar "Arte"?

¿o todo lo que los entendidos dicen que es "Arte"?

¿o todo lo que yo denomino "Arte"?

¿o todos los objetos que se exponen en las galerias de arte?

¿Influye el tiempo que se le ha dedicado a la obra y el empleo de más o menos materiales?

¿ES TODO ESTO SER "MÁS ARTE"?

¿qué opina el artista...?

¿QUÉ ES UN "ARTISTA"?

Artista es aquella persona que crea y trabaja una obra de Arte, que ejercita alguna arte bella o que está dotada de la virtud y disposición necesarias para alguna de las bellas artes.

Al igual que hemos hecho con el concepto del Arte, daremos un breve repaso por la terminología utilizada a través del tiempo para ajustar un poco más este término.

En las Grandes Civilizaciones (Grecia, Roma...) artista era considerado aquel que dominaba un conocimiento, más allá del elemento plástico (Pericles, en el arte de la guerra, Platón o Aristóteles en el arte del pensamiento...) También ha recibido otras denominaciones, como: investigador, dibujante, compositor, inventor, creador, tomando como punto de partida la creencia de que el "Arte es cosa mental", en la Edad Media, por ejemplo.

Mas, a lo largo de la historia del artista (ej. s.XVIII), éste establecerá su estatus de manera competitiva, dando especial importancia a la idea, convirtiéndose en maestros que generan a su alrededor gente que sigue su Arte, proponen cosas interesantes y tienen delante a quien sigue sus propuestas (bien podemos llamarlos discípulos)

"Las Hilanderas" Velázquez

Toda evolución del artista tiene como fin crear obras artísticas, objetos culturales, inteligentes, que hay que descifrar y que tienen un mensaje. Y aquí, en nuestro siglo, dejando atrás la tradición y entrando en la contemporaneidad, el artista es considerado diseñador, tomando el Arte una función social con el objetivo de hacer productos, obras que lleguen a todas las casas, ya que el artista, el artífice de las obras se dedica, mediante la disciplina artística, al conocimiento del mundo, no menos preciso que en otros campos.

 Kandinsky



¿QUÉ ES "MANIFESTACIÓN ESTÉTICA?

Podemos entender como "manifestación estética" aquel producto de la Naturaleza, que es bello, atendiendo al concepto que se tenga de estética en cada momento y lugar. La estética es o puede ser cambiante,  sus valores son subjetivos y varían según esta percepción y el contexto histórico del individuo.
No podemos negar que la manifestación estética surge como consecuencia de la necesidad del individuo de expresar, transmitir un sentimiento, un pensamiento o ambas cosas. Considero que una manifestación artística sería prácticamente imposible que únicamente pudiera emitir sensación de "algo bello". Esto debería sustentarse en algo más: una idea, un pensamiento o una carga filosófica. Porque así, la fuerza que desprendería sería inmensa...dotaría a la obra otro significado y el sentido estético lo mantendría...